（空一行）

漫步于古典诗歌的长廊，一幅幅精妙绝伦的景致画卷在眼前徐徐展开，从“大漠孤烟直，长河落日圆”的雄浑壮阔，到“细雨鱼儿出，微风燕子斜”的纤巧灵动，诗人笔下的景物不仅是客观存在，更是情感与哲思的载体，学会在诗歌中写景,便掌握了开启这扇艺术之门的钥匙。

溯其源流：从自然到笔端的升华

诗歌中的写景，其根源可追溯至古老的《诗经》。“蒹葭苍苍，白露为霜”，开篇即以秋景起兴，那一片芦苇的茂盛青苍，与清晨凝结为霜的白露，共同构筑了一个清冷、迷离的意境，为后文求而不得的怅惘奠定了基调，这里的景物，已然超越了简单的物象,成为情感的触媒。

至魏晋南北朝，山水诗独立成科，谢灵运以其富丽精工的语言，细致刻画了浙东山水的幽深秀美。“池塘生春草，园柳变鸣禽”，看似信手拈来的寻常之景，却因其对生命律动的敏锐捕捉，而显得生机盎然，历久弥新，这标志着诗人对自然景物的观察,从比兴寄托走向了自觉的审美观赏。

盛唐时期，以王维、孟浩然为代表的山水田园诗人，将写景艺术推向了高峰，王维笃信禅宗，其笔下的山水往往浸润着空灵的禅意。“明月松间照，清泉石上流”，皓月、青松、清泉、山石，组合成一个清幽、明净而又充满生意的世界，景物在此不仅是观赏的对象,更是诗人澄澈心境与宇宙哲思的直观呈现。

探其手法：意境的营造与情感的渗透

诗歌写景，绝非机械地复制自然，它是一门取舍与重构的艺术，核心在于“意境”的营造。

情景交融，物我合一

这是写景的最高境界，诗人的情感并不直接说出，而是完全融入对景物的描绘之中，杜甫在《春望》中写道：“感时花溅泪，恨别鸟惊心。”花鸟本是无情之物，但在国破家亡的诗人眼中，娇艳的花朵仿佛在滴洒悲伤的泪珠，悦耳的鸟鸣也变成了惊动愁肠的噪音，景物因情感而改变了其固有的属性，情感也因景物而得到了具象化的表达，二者水乳交融,不分彼此。

动静结合，虚实相生

善于在静态的画面中注入动态的元素，能使诗歌充满生命的张力，王籍的“蝉噪林逾静，鸟鸣山更幽”，以“噪”与“鸣”的声响，反而愈发衬托出山林深处的静谧，这是以动衬静的典范，诗歌写景讲究“留白”，追求象外之象、景外之景，如韦应物的“野渡无人舟自横”，一个“自横”，不仅勾勒出荒野渡口的空寂景象，更留给读者无限的想象空间：舟为何在此？之前发生过什么？这种虚实的结合,极大地拓展了诗歌的容量。

锤炼字眼，一字传神

古人作诗讲究“炼字”，尤其在动词和形容词的使用上，力求精准、新颖、生动，王安石那句著名的“春风又绿江南岸”，最初用过“到”、“过”、“入”、“满”等字，最终选定“绿”字，使春风具象化为一种染绿大地的力量，色彩感与动态感瞬间迸发，境界全出，这种对语言极致的雕琢，是诗歌写景能够以少总多、情貌无遗的重要原因。

观其应用：如何在创作中运用写景

对于今天的诗歌爱好者而言，理解古典诗歌的写景艺术,最终是为了服务于自身的创作。

培养细致入微的观察力。 走出书房，投入自然的怀抱，不仅要看景物的轮廓、色彩，更要捕捉其在不同时节、不同天气、不同光线下的微妙变化，观察清晨露珠的闪烁，聆听深夜秋虫的鸣唱，感受微风拂过面颊的触感，丰富的感官体验,是生动描绘的源泉。

学会“寓情于景”的构思。 在动笔之前，先明确自己想要表达何种情绪或感受，是喜悦还是忧伤？是豪迈还是孤寂？去寻找与这种情感基调相契合的景物，若要表达欢快，可选择明媚的阳光、欢快的溪流、绽放的鲜花；若要表达孤寂，则可选取冷月、孤雁、寒江,让景物成为你情感的代言人。

注重语言的凝练与意象的选择。 诗歌是高度浓缩的艺术，避免冗长繁琐的叙述，力求用最精炼的语言，勾勒出最鲜明的画面，大胆运用比喻、拟人、通感等修辞手法，但应力戒陈词滥调，追求个人化的、新颖独特的表达，不说“我很忧愁”，而说“我的忧愁是一条静静的小河，在心底无声地流淌”。

追求整体意境的和谐统一。 笔下的景物应构成一个有机的整体，共同服务于一个中心意境，避免意象的杂乱堆砌，要讲究画面的布局、色彩的搭配、动静的协调，就像一位高明的画家，不仅描绘好一草一木,更要经营好整个画面的气韵与格局。

古典诗歌的写景艺术，是一座蕴藏丰富的宝库，它告诉我们，最高明的写景，是让山川草木都带上诗人的体温与心跳，当我们的心灵与自然对话，将内心的波澜投射于外物，笔下的文字便不再是冰冷的符号，而成为有生命、有情感的风景，这风景，既映照天地，也烛照人心,最终在读者心中开辟出一片可以诗意栖居的天地。